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LA MUSICA
 
 
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La música (del griego: μουσική [τέχνη] - musiké [téjne], "el arte de las musas") es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptual del individuo, así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).
Más allá de la definición básica de la música como el arte de organizar los sonidos, la consolidación de la electrónica y la informática dentro de este ámbito ha permitido no sólo crear ondas musicales, sino también manipularlas para generar sonidos sintéticosPor principio de cuentas, recordemos que los sonidos son resultado de un conjunto de vibraciones que estimulan al oído y se transmiten en forma de ondas a través del aire. El hecho de que los instrumentos musicales, e incluso la voz humana, posean la capacidad de producir sonidos diferentes se debe a que no todos ellos son iguales porque las ondas que los generan tampoco lo son.

¿Qué hace posible distinguir los sonidos? La sensibilidad del oído para identificarlos por su intensidad, tono y timbre. La intensidad permite diferenciar los sonidos fuertes de los débiles, gracias a la cantidad de energía liberada al propagarse las ondas sonoras. El tono es una cualidad que permite distinguir los sonidos graves y los agudos a partir de la velocidad o frecuencia con que son transmitidas las vibraciones sonoras (si las vibraciones son rápidas, los sonidos son agudos, si son lentas los sonidos son graves). Por otra parte, el timbre permite distinguir los sonidos provenientes de cualquier instrumento musical, gracias a este es posible diferenciar el sonido de una nota en do, tocada en un piano, del sonido de la misma nota tocada en una guitarra.Las características de estos elementos sonoros han llevado a algunos creativos de la música a prescindir de los instrumentos que los generan y crear las ondas sonoras a partir de procedimientos electrónicos, e inventar directamente formas de onda al margen de que exista o no un modo acústico para crear esos sonidos.

El origen de los sonidos electrónicos difiere de los acústicos porque no nacen de una vibración sino de un conjunto de señales eléctricas. Desde el punto de vista de la informática, el sonido es información.

Estas condiciones resultan particularmente interesantes si tenemos en cuenta que la música había sido creada con una variedad limitada de sonidos que generaban instrumentos musicales hechos para ese fin. Ninguno de los compositores del pasado pudieron inventar un sonido. Actualmente los músicos pueden manipular cada una de las características de los sonidos con la aparición de novedosas máquinas creativas como los sintetizadores y el MIDI.



El antecedente de los instrumentos musicales electrónicos se encuentra en la década de los 60´s, con el surgimiento de los primeros sintetizadores Moog, cuyo funcionamiento estaba basado en transistores. Pero es hasta finales de los 70´s y principios de los 80´s, cuando estos aparatos empezaron a cobrar popularidad gracias a su utilización en la creación de música popular (disco, pop, rock, etc.), con el tiempo y la experimentación en nuevas aplicaciones se fueron creando sintetizadores con características muy variadas fabricados tanto por empresas como por los mismos músicos, lo que ocasionó un caos ya que las interfaces de comunicación de los instrumentos musicales electrónicos no eran compatibles entre sí.El sintetizador es una máquina creativa, que puede imitar cualquier sonido de la naturaleza (como el viento, el oleaje del mar o el canto de un pájaro) o simular otros sonidos como el de un helicóptero o de un carro. El sintetizador tiene la capacidad de imitar todos los instrumentos acústicos y electrónicos, puede ejecutar varias notas (con diferentes timbres) al mismo tiempo, como si estuviera tocando una orquesta entera. Claro que esta capacidad de creación y concentración de sonidos no fue bien aceptada entre los músicos que fueron sustituidos por tal instrumento en los estudios de grabación. Sin embargo, se ha visto que el potencial de sonidos que posee el sintetizador proporciona a la música un enfoque creativo con el desarrollo de nuevos sonidos.

Dichas características tímbricas e interpretativas del sintetizador y otros equipos, como el secuenciador o el sampler, ponen a la música en una situación nunca antes experimentada. La variedad disponible de posibilidades electrónicas, permite al sintetizador producir efectos de una versatilidad y una amplitud de registros inalcanzables para los instrumentos convencionales.

Invariablemente, esta evolución dentro de la música ha generado nuevas formas, nuevos recursos, donde el compositor dispone de una infinidad de elementos musicales electrónicos e informáticos para desarrollar su creatividad musical. Ello permite que los músicos actuales dispongan de una orquesta de tiempo completo, en su casa, con un costo operativo ínfimo.

Los sintetizadores utilizan diferentes sistemas para procesar el sonido: sustractivo, digital informático directo, manipulación de cinta magnética o modulación de frecuencia.



MIDI, que en español se traduce como Interfaz Digital de Instrumentos Musicales, es un sistema de comunicación que permite el intercambio de información entre los instrumentos musicales electrónicos. La idea básica de este sistema consiste en hacer sonar más de un aparato a la vez, creando así un instrumento polifónico por el sistema de adición de varios componentes.
Anteriormente se pensó en comunicar sólo instrumentos musicales, ahora se puede establecer cualquier comunicación con una impresora, un módem o un escáner. De hecho, en la informática musical el sistema MIDI permite el intercambio de información entre instrumentos musicales electrónicos compatibles (teclados, módulos o tarjetas de sonido, samplers, etcétera) y una computadora.



La computadora es también un instrumento de escritura e interpretación de partituras. Cuando se trata de generar composiciones, la computadora cuenta con programas de notación musical en los que se puede escribir con el ratón o tocando un instrumento con MIDI; se puede cortar y pegar cualquier partitura y las posibilidades de manejar con facilidad complejas pautas para múltiples intérpretes son variables.LA MÚSICA CLASICA.El clasicismo musical comienza aproximadamente en 1750 (muerte de J. S. Bach) y termina en 1820 aproximadamente. La música clásica propiamente dicha coincide con la época llamada clasicismo, que en otras artes se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, que era considerado tradicional o ideal. En la música no existió un clasicismo original, ya que no había quedado escrita ninguna música de la época griega o romana. La música del clasicismo evoluciona hacia una música extremadamente equilibrada entre armonía y melodía. Sus principales exponentes son Haydn, Mozart y el primer Beethoven (ya que en su segunda época se volvió más romántico.Música clásica
Qué es Música Clásica. En realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.

Comunmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y el primer Beethoven.

Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno, toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza.

En fin, lo que define a esta música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más notable: No es estática, está en un contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras culturas.

Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista.

Se excluyen las músicas medieval y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes. Se excluyen también la oriental y la africana, sin desconocer sus valores. Y es que esta música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales.

Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica.

Normalmente en música entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810.


ESENCIA DEL CLASICISMO

Es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es l a que refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas; por ello el Clasicismo lleva consigo una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un período de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar.

CUALIDADES QUE DEFINEN LA MUSICA CLASICA

Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.
Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica.
Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.
Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.
Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.
El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.
La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos.
La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.
Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música.
LAS FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

De lo dicho anteriormente se deduce que lo esencial en este período es el respeto a las formas, a la ley y a la norma, dado que, para llegar a esa perfección que pretende el Clasicismo, lo primero que hay que hacer es respetar las leyes musicales. Es así como en este período va a tomar una enorme importancia la Sonata y la Sinfonía.

LA SONATA

Sonata (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más instrumentos. Por una parte, el término forma sonata se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas.
MÚSICA ROMANTICA

Todos habremos escuchado alguna vez alguna canción de Luis Miguel, Ricardo Arjona, Alejandro Sanz, Ricky Martín, Cristian Castro o Shakira entro otros iconos de la musica latina.

Pero también tuvimos muchas vivencias con Frank Sinatra, Los Beatles, Take That, Robbie Williams y más. La música romántica es uno de los géneros más consumidos por el público día a día, esto se asiente cuando uno se fija en el ranking de ventas, y por qué no en el ranking que confecciona cada radio.
Dentro de la música romántica, algunos artistas se han atrevido a ponerle música a los poemas famosos de amor, mientras que otros prefieren tomarse el tiempo y el trabajo de plasmar en un papel todos los sentimientos vividos, que van de historias de amor fallidas, corazones rotos, recuerdos nostalgiosos hasta historias con finales felices.
Los ritmos no tienen que ser precisamente tristes; muchos dicen que la música romántica no se basa solamente en la música sino en la letra de la misma: canciones como Ojos así, María, Alba, Color esperanza y otras poseen ritmos contagiosos pero no pierden el sentido del romanticismo.Uno de los géneros más hermosos y más viejos de la música es considerado romántico, y estamos hablando del tango. ¿Quién puede negar que el tango es parte de la música romántica? Su melodía lo dice todo, y sus letras no narran otra cosa más que amores fallidos o no correspondidos.


El tango es hoy un ícono de la música internacional aunque sea patrimonio argentino, elegido por Armando Manzanero, Luis Miguel, Julio Iglesias e inclusive por bandas de rock latinas como Los Piojos y Los Pericos este tipo de música expresa una cantidad incalculable de sentimientos y es por eso que es considerada como universal.

No nos podemos olvidar de las bandas de sonidos de las películas. ¿Qué sería de una película sin música romántica? ¿Cómo se habrían hecho Moulin Rouge, Chicago, Titanic o Perfume de Mujer? La música es por muchos considerada un idioma o algo muy cercano a él, para otros es sólo un entretenimiento, una distención, y para algunos una posibilidad de hacer dinero. Lo cierto es que las parejas no pasan una velada sin un buen vino, una buena cena y una buena música que haga que el ambiente compartido sea mágico
Cúantas veces el novio le habrá cantado a su amor algún bolero? ¿O de qué vivirían los mariachis sin música romántica? Sin lugar a dudas las mujeres aman este tipo de música, y si se las quiere reconquistar nunca está de más un buen tema lento para cantar o bailar acompañado de una velada soñada, sea en un restaurante o en una casa.


Dijo una vez Shakira “entre todos nuestros años sentimos que la vida se nos simplifica y nos ponemos a mirar las lineas de la mano, a releer nuestros poetas favoritos y hasta a veces nos lanzamos a escribir algunos versos, y lo bueno del caso es que no nos suceden una ni dos veces, nos suceden varias veces, ese es nuestro problema, siempre volvemos a amar”. Una explicación simple del por qué el ser humano tiende a escuchar la música romántica o a abrazar al romanticismo como forma de vida; el hombre siente y a veces necesita plasmarlo en una hoja sea escribiendo una canción o un poema o escuchando un tipo de música el cual lo identifique.

A veces sería bueno imaginar cómo viviríamos, o qué sería del mundo sin esta música. El romanticismo es parte natural de la vida y no se puede dudar de que no importa como hubiera surgido, sino que todos sabíamos que tarde o temprano existiría y seguirá evolucionando.
Muchos serán fanáticos del hip hop, o del rock, o del heavy metal pasando por todos los géneros existentes, pero todos ellos alguna vez habrán escuchado atentamente las letras de varios boleros o inclusive habrán comprado algún cd de Montaner, o al menos aquellos que alguna vez se enamoraron o sufrieron por amor.

MÚSICA CRISTIANA O SACRA

La música sacra (del Latín : Sacer, Sacra, Sacrum: «santo, augusto»), corresponde a la forma de expresión musical nacida en Europa hacia la Alta Edad Media, (Siglo V d.C.) desarrollada como parte de los ritos cristianos de la época.

Mas que un género musical era una forma de evangelización, donde a través de sonidos primeramente Monódicos y fuerte presencia vocal, se relataba un pasaje bíblico o se destacaban virtudes y valores cristianos.

El término significa música sagrada (Sacrare o «consagrar») que a su vez deriva de sacratus («sagrado, consagrado») pero, dada su connotación y origen occidental, es de uso primordial en el cristianismo. Aunque por extensión puede ser aplicable a las diferentes manifestaciones músico-religiosas de otros pueblos, ya sean de origen indio, árabe, judío, u oriental, en el pensamiento occidental se suele reservar su uso para la música cristiana, incluyendo a veces la música cristiana contemporánea, en la cual la música explora temas cristianos para la juventud, aunque por su diseño puede ser tocada en otros lugares con excepción de iglesias.

La música sacra durante un servicio religioso para muchas iglesias es una parte fundamental de su liturgia. Se cantan kyries, himnos, salmos y canciones espirituales entonadas a Dios.

Por otra parte, las iglesias algunas veces cantan a cappella para adorar a su Dios. Ocasionalmente, los instrumentos musicales se utilizan solamente para expresar alabanza hacia la deidad. Todas estas maneras o estilos son utilizados por una iglesia u otra, o por una religión u otra. En la música más temprana de la iglesia cristiana, como es el caso de algunos libros del Nuevo Testamento, son probablemente himnos. Algunos de esos fragmentos todavía se cantan como himnos en las iglesias ortodoxas, incluyendo los himnos “despierta, despierta tu que duermes” en ocasiones como los bautismos. Siendo judío, Jesús y sus discípulos habrían cantado probablemente los Salmos atribuidos a David. Sin embargo, sin una industria centralizada de música, el repertorio de gentes normales era mucho mayor que él actual, así que se sabían probablemente otras canciones también. Los primeros cristianos continuaron cantando los salmos después de la muerte de Jesucristo, eran cantados en las cárceles, las casas, y sinagogas en el primer siglo de nuestra era.ETIMOLOGIA.La también llamada música litúrgica, o más comúnmente música sacra en el ámbito católico, tiene su origen de la palabra latina sacrum que a su vez es una traducción del griego (hieron (osteon)) que significaba hueso fuerte, hueso sagrado. El hueso sacro es el hueso central de la pelvis, que de acuerdo a los primeros romanos(antes del catolicismo) en su religión pagana, tenían la creencia de que este hueso era indestructible, y era la parte del cuerpo que seria capaz de levantar a un muerto o resucitar, el hueso sacro servia de ofrenda quemada, a los dioses romanos, de ahí nace la palabra sacramento que literalmente significaba un juramento o lealtad de un soldado a su rey, o algún objeto como el antes mencionado ofrendado para fines sagrados, así con el tiempo llegaron a formarse más de 30 sacramentos cristianos, aunque en el catolicismo solo se reconocen 7 sacramentos.


Primeras referencias bíblicas [editar]En los Evangelios de Mateo 26:30 1 y Marcos 14:26 2 dicen que jesus junto a sus Discípulos entonaron un himno antes de que se entregara para ser crucificado, por medio de judas. El apóstol pablo en el libro de los Efesios 5:19 3 exorta a la iglesia de Éfeso a entonar salmos, Himnos y canciones espirituales al Señor. En la Epístola a los colosenses 3:16 4 el mismo pablo urge ala iglesia de Colosas para enseñar y admonestarse unos a otros, con himnos y cantos espirituales.


En los albores de la Iglesia cristiana [editar]Una referencia fuera de la Biblia es a través de uno de los primeros Himnos que entonaron los paleocristianos en la antigua iglesia O MARAVILLOSA LUZ (Griego Φως 'Ιλαρον, Phos Hilaron) en el cuarto siglo, Basilio el Grande se refirió a este HImno en su tiempo ,como El viejo Himno.

la popularidad del Arrianismo en el cuarto siglo se puede atribuir a las canciones pegadizas que el sacerdote Arrio compuso con ayuda de otros.

El renombre de las canciones ayudo aumentar la popularidad de sus enseñanzas.

Efrem el sirio compuso una serie de himnos que más adelante en el cuarto siglo que eventualmente le ayudaría a ser reconocida como la doctrina ortodoxa que es.

Los himnos son expresiones formales de alabanza o declaraciones de las verdades de Dios.

Troparia y Kontakia son dos formas tempranas de himnos que se incorporaron en la adoración de la iglesia cristiana.

A la conclusión del quinto consejo ecuménico, el emperador Justiniano I se le atribuye haber compuesto un himno resumiendo la conclusión del consejo ecunemico, El único primogénito. Este himno fue incorporado en la liturgia divina de Juan Crisóstomo y aun se sigue cantando extensamente ahora en día.

Solo se tienen los textos de estos himnos, no la música. El himno más antiguo conocido con la notación musical es el Himno Oxyrhynchus, llamado así por el sitio de su descubrimiento fechado en el siglo III. Es uno de los pedazos más antiguos escritos en una notación de estilo griego antiguo.

Por supuesto es difícil hacer declaraciones sobre las calidades musicales de la música cristiana antigua, debido a la falta de evidencias concluyentes, y aun no está claro qué influencia tuvo esta clase de himnos en la música cristiana contemporánea.


Cantos bizantinos [editar]Artículo principal: Música bizantina
El canto o la música bizantina, fue la música principal del Imperio Bizantino y por extensión la música de sus conquistados, así se transformó a la música ortodoxa cristiana, y su gente después de la caída del Imperio Otomano.


Música occidental [editar]Artículo principal: Canto gregoriano
Varias tradiciones florecieron en el cristianismo occidental, una forma monofónica acompañada de cantos:

El Antiguo canto romano en Roma.
El Canto mozárabe en España.
La Música gallega en Francia.
El Canto ambrosiano en Milán.
El Canto benevento en Benevento
Alrededor del siglo IX y el X nació el canto gregoriano, según se cree es una derivación de la música carolingia la cual se deriva de una mezcla entre el canto romano y el canto gallego, el cual con la ayuda de Carlomagno se extendió por toda Europa, y después por los santos emperadores romanos, en el siglo 12 en canto gregoriano había suplantado a todos los demás cantos o estilos musicales, excepto al canto gregoriano y al canto mozárabe en muchas capillas españolas.

El nombre gregoriano, probablemente se debe a Gregorio II, que después llegaría a ser asociado con su predecesor gregorio el grande, el cual por su fama le llegaría a dar al canto gregoriano su fama de autoridad espiritual y antigüedad, tan fuerte es el mito de la autoría de gregorio, que perdura asta ahora en día. El canto gregoriano fue clasificado en 8 modos y fue influenciado por el canto bizantino de oktoechos, los textos cantados predominantemente se encuentran en la Biblia y en latín, aunque hay algunos textos en griego como Kyrie eleison y el Hagios Theos, le canto gregoriano ha pasado por periodos de detrimento y reavivamiento. la más notable de todas debido a los monjes solemnes, quienes han producido la edición oficial actual, Liber usualis.

La mayoría de los cantos actuales pueden ser trazados a los cantos de los monjes solemnes, desde el Concilio Vaticano II, el uso de la liturgia en latín ha declinado, junto al canto gregoriano. De todas maneras la popularidad actual de las grabaciones de los monjes de Santo Domingo de Silos en los años 1990 sugiere que aún hay interés por este canto.


Himnos [editar]Artículo principal: Himno
La tradición de los himnos en la lengua inglesa esta ligada con la iglesia protestante, así como la versión castellana, los himnos protestantes van desde organos, de la época de la reforma, como es el caso de bach, hasta los himnos estadounidenses como es el caso de la arpa sagrada, Martín Lutero compuso varios himnos alrededor del siglo 16, del cual se inspiraba de las mismas notas musicales que escuchaba en las tabernas de su tiempo, otro famoso compositor de himnos fue Charles Wesley, hermano de John Wesley, Dwight L. Armstrong, hermano menor del evangelista Herbert W. Armstrong, quien fue un prolífico compositor el cual sus himnos basados en las escrituras son incluidos en la Worldwide Church of God's hymnals (Himnario mundial de la iglesia de dios).

Herbert W. Armstrong creía que las palabras de muchos himnos tradicionales no estaban basados en las escrituras, así pues le pidió a su hermano que escribiera himnos basados en los salmos y otros libros de la Biblia.

Algunos himnos, particularmente los villancicos son usados en cualquier denominación cristiana, mientras que otros himnos son solo usados por algunas tradiciones cristianas, o denominaciones tales como los bautistas entre otras denominaciones. en la algunos casos se debe a diferencias doctrinales que hay en esas palabras, de algún himno, pero en su mayoría se debe a cuestiones de tradición, o de producción denominacional, o himnos aprobados por los líderes de esas iglesias, que vayan de acuerdo a su punto de vista, de lo que consideran santo.

entre las denominaciones protestantes el uso d e himnos fue un factor fundamental y de disolución, pues algunos estaban a favor de solo usar letras de los salmos, mientras otros favorecían el crear nuevas letras.


Música cristiana contemporánea [editar]Artículo principal: Música cristiana
La más reciente forma de música sacra entre los diferentes miembros de la s denominaciones cristianas, es la Música cristiana moderna. este tipo de música debe su influencia a la música secular del Siglo XX y es el tipo de música cristiana más popular en el mundo occidental, aunque hay muchos tipos de música cristiana, el termino se refiere a los tipos de música, en la industria cristiana que son tocadas mayoritariamente en las estaciones de radio cristianas, y si alguno buscara profundamente encontraría que hay una contraparte cristiana en cualquier género actual que sea tocado en cualquier parte del mundo, desde la A asta la Z.


Música cristiana brasileira [editar]Mientras que en el protestantismo brasileño, su influencia puede trazarse también en el protestantismo estadounidense, hubo un periodo entre los años 70 y principios de los 90,hubo un movimiento brazileiro, que mezclaba varios ritmos afro-brasileños, así también como de la Música Popular Brasileira, con exponentes tales como Caetano Veloso ,Roberto Carlos ,Gilberto Gil entre otros, adaptando estos estilos a las iglesias, y dándoles un significado espiritual. también es conocida como música evangélica, ala música cristiana tanto en Brasil como en los países de habla castellana. la escuela musical brazileira aun continua en evolución con aportaciones de muchos artistas tales como Guilherme Kerr, Elomar Figueira de Mello, quien es considerado un erudito en cuestión de música cristiana regional del Brasil. quien se aleja del nihilismo común en la música cristiana actual.







LA MUSICA DE LOS 60 Y 70.Con música de los 60 y 70 se recordará los éxitos antiguos y modernos de los Corvets

Es fascinante ver la vida y la historia que encierra los Corvets a lo largo de su carrera musical desde que se iniciaron en

Sin dejar morir a la leyenda, continúan el grupo formado Amado Terán (vocalista), Lucho Izurieta (teclados), Carlos Vera (primera guitarra), Alonso Flores (percusión), Javier Velásquez (batería) y Roberto Vallarino (bajo).
Quienes siguen haciendo recordar todos los éxitos de los 60 y 70, temas tales como “Tu serás mi baby”, “Diana”, “Y la amo”, “Cuando se pone el sol”, “Voy a pintar las paredes en tu nombre”, “Tiritando o la barca” y nuevos temas inéditos, “Te amo”, “Dame un minuto” y “No te vayas”, y muchos temas mas, que ofrecerán en esta ocasión al celebrar su Aniversario No 43, convirtiéndose en una noche de fantasía y recuerdos.
"Mis 8 años de experiencia de formar parte de los Corvets, es ser parte de la historia musical del Ecuador, ya esta agrupación es considerada como uno de los íconos de la música del País" dijo Amado Terán.
Para los músicos, el experimentar su música con el público a sido ver como la gente madura recuerda su juventud, y que la aptitud de los jóvenes al receptar en su infancia estas melodías que facinaban a sus padres, son apreciadas ahora por vieja y nueva generación.
"Gracias al maestro Carlos Vera, que le pone el swing a las canciones; a Alonso Flores que además de ser percursionista y cantante, se destaca animando al público, algo que considero nada fácil y que solo él lo sabe hacer; Javier Veláquez ha venido a refrescar esa parte ritmica con esa onda juvenil, brindando así un nuevo matiz al grupo" expresó Lucho Izurieta.
Además habrá invitados especiales nacionales e internacionales para recordar todas las épocas de Los Corvets. El evento se realizara el viernes 2 de Marzo desde las 22h00, en el exclusivo patio de comidas de Plaza Ceibos.
Recordando su historia
La historia de los inicios de Los Corvets se remonta al año 1964, con el impulso y ayuda de la Sra. Josefina Abitia de Vallarino, madre de Alberto y Roberto, cuando el grupo, inicialmente con el nombre de “Los Pájaros de Fuego”, comienza su trayectoria.
En aquellos tiempos no había muchos artistas dedicados a la interpretación de la música moderna o más conocida como “Rock” razón por la cual se dieron siempre cambios en el grupo, siempre en busca del mejor elemento disponible.
Los primeros temas que interpretamos fueron “Tu serás mi baby”, “Diana”, “Y la amo” entre otros temas de la época. Hacia el año 1966, después de perseverar, comenzamos a tener presentaciones de mayor importancia, mayory mejor cobertura por parte de la prensa. En el año 1967 se gestionó su primera grabación para el sello discográfico “Orión” de IFESA. En 1972, mes de febrero, cuando en un terrible accidente automovilístico fallecen Alberto Vallarino y Doña Josefina de Vallarino. Existió un receso de unos meses y el grupo continuó. Después de una larga trayectoria musical y de cambios entre ex miembros del grupo se constituye lo que es el grupo hoy en día.MUSICA DEL 70
QUERIDOS VIEJITOS:
HABLANDO UN POCO DE LA MUSICA DEL 70, ACA VAN ALGUNOS CONJUNTOS Y TEMAS:
- SUI GENERIS (CONFESIONES DE INVIERNO, MARIEL Y EL CAPITAN, NECESITO)
- ALMENDRA (ANA NO DUERME, MUCHACHA OJOS DE PAPEL,PLEGARIA PARA UN NI#O
DORMIDO)
- LOS JAIVAS (HAGASE LA LUZ)
- MANAL (JUGO DE TOMATE FRIO, NO PIBE NO)
- POLIFEMO (NO TE PREOCUPES NENA)
- MORIS (DE NADA SIRVE, EL OSO, JUAN EL NOBLE CABALLERO)
- PASTORAL (LA MAGIA DE HOY, HUMANOS)
MOMENTO..... GOL DE RIVER!!!! RIVER 1 NOB 0. SIGAMOS...
- ARCO IRIS (MA#ANA CAMPESTRE, SUDAMERICA, SAVIA VERDE)
- VOX DEI (LA BIBLIA, PRESENTE, CANCION PARA UNA MUJER QUE NO ESTA)
QUE EPOCA !!! QUE TEMAS !!!!

PLEGARIA PARA UN NI#O DORMIDO: (Flaco Spinetta)
Plegaria para un ni#o dormido
quizas tenga flores en su ombligo,
y ademas, en sus desos que se vuelven pan
barcos de papel sin altamar.

Plegaria para el sue#o del ni#o,
donde el mundo es un chocolatin, adonde van...
mil ni#os dormidos que no estan,
entre bicicletas de cristal.

Se rie el ni#o dormido,
quizas se sienta gorrion esta vez
jugueteando inquieto en los jardines de un lugar,
que jamas despierto encontrara.

Que nadie, nadie despierte al ni#o,
dejenlo que siga so#ando felicidad,
destruyendo trapos de lustrar,
alejandose de todo mal.

Se rie el ni#o dormido ......

Y ADEMAS:

- AQUELARRE (Violencia en el parque)
- ALMA Y VIDA (Queremos luchar, El gemido del gorrion)
LA MÚSICA DE LOS 60
El 18 de noviembre de 1962, domingo, se iniciaron las míticas Matinales del Price, baluarte de los ritmos de importación anglosajona. Aunque desde 1960, diversas formaciones ya habían logrado una relativa repercusión, fue con esos festivales cuando alcanzaron la popularidad. Los Estudiantes, Dick y Los Relámpagos, Los Tonnys, Los Pekenikes, The Diamonds Boys, Los Sonor, Los Brisks, Los Rocking Boys, Los Cuatro Jets y tantas decenas de conjuntos más llegaron como una plaga, unos simplemente como atracciones de las salas de fiestas y clubes y los más afortunados aterrizando en los estudios de grabación. Toda esta eclosión de grupos españoles tuvo un fuerte componente imitativo. Sus repertorios se nutrían de clásicos del rock tipo Elvis y su escuela, y en especial fueron numerosas las bandas que plagiaron el sonido de los ingleses Shadows. Esta moda de música instrumental (la influencia Shadows se complementaba con los covers de los instrumentales surf de grupos como Los Tornados, Johnny and The Hurricanes,Dick Dale, Trahsmen, etc.) fue uno de los rasgos más característicos del 1962-63. No se me ocurren más que dos explicaciones. Por una parte, el instrumental evitaba cantar y tropezar con el inglés. Por otra, la guitarra eléctrica, líder del sonido Shadows y equivalentes, suponía una cierta familiaridad para los músicos de nuestro país habituados al manejo de la guitarra española, ensayando piezas de Torrega y el maestro Rodrigo, aunque inicialmente la usaran como integrantes de una rondalla folclórica de Falange o en una tuna universitaria. Lo cierto es que en ese período de predominio de los instrumentales, se produjo un movimiento curioso, como fue la irrupción de un sonido rock-castizo, basado en la canción popular espafiola. Era como si se quisiera bautizar al demonio del rock con el agua bendita de nuestro cancionero tradicional. Títulos como "Los Cuatro muleros, "Nit de llampecs, Zorongo, "El Vito, "Alborada gallega y tantos más reflejan esta corriente. Curiosamente, a nivel vocal, este fenómeno halló igualmente su correspondencia en grupos como el Dúo Dinámico, Los Brincos, Los Cheyenes, Los Gatos Negros, Los Valldemosa, Los Tamara... Era como un pop propiciado por el Ministerio de Información y Turismo. Cambiar el "yeah-yeah" británico por el ,olé-olé cañí. Los Shadows constituyeron la primera influencia nítida del pop británico en España. Lo que en Gran Bretafia había hasta entonces, los grupos de skiffe, solistas como pátula Clark, Tommy Steele o Adam Faith no dejaron escuelas, salvo por supuesto Cliff Richard. Después los conjuntos rockeros de España,todos tenían pintas de estudiantes de colegio mayor y eran abundantes los miembros que llevaban gafas, de esas gafas rotundas de concha y de empollón; pero, bueno, Buddy Holly y a había demostrado que el rock y la miopía no se repelían necesariamente, los temas más socorridos, excepto los ingleses sefialados, eran las versiones del rock USA, con letras adaptadas a nuestra censura, las composiciones propias, a menudo mimíticas de las yankis, los instrumentales tipo música regional eléctrica y poco más. Su labor fue la de los zapadores al preparar una batalla. Ninguno de ellos, con matices, llegó a ser un auténtico superventas.Los más famosos del pop de los 1ºs 60 fueron el Dúo Dinámico. Los solistas suramericanos gustaban más a los papás que a los propios jóvenes y grupos españoles sonaban demasiado a versión, de lo que los extranjeros ofrecían mejor y en original.El Dúo Dinámico por vez primera en nuestro país originó el fenómeno de los fans. El Dúo Dinámico eran en primer lugar jóvenes de verdad (en uno de sus hits de 1962 dicen "Somos jóvenes, somos jóvenes los dos, y es fantástico vivir... La letra del casi himno ,Somos jóvenes no tiene mucha profundidad filosófica, es cierto, pero, como escribió Nik Cohn, todo el misterio del pop se puede resumir con una exclamación:¡Auambabulubabalambambú!, que es lo más parecido a un grito vudú.Como setir viendo, los textos de las canciones no eran precisamente donde los artistas malgastaban su talento. Los primeros en utilizar la moda como se fia de identidad generacional.La ropa que más les singularizó fue el chaleco rojo con cuello de pico sobre una camisa blanca inmaculada de tergal, con cuellos amplios tipo alas de mariposa. Aunque en diferentes etapas de su carrera se les vio vestidos de guardiamarinas, con cazadoras motoristas de cuero, con polos modelo Lacoste, su uniforme auténtico fue el descrito. En cuanto al pelo, seguían el corte pulcro de los cantantes norteamericanos coet neos. Digo conscientemente uniforme, y no vestuario, porque de igual modo que los trovadores suramericanos cometían una asincronía entre sus ritmos más o menos innovadores y sus prendas de vestir tradicionales o simplemente folclóricas, que impedía una transmisión plena de su mensaje entre el público juvenil, en el caso del Dúo Dinamico la ropa sí que fue un elemento consciente de diferenclación cultural con los adultos. Moda y música siempre son líneas convergentes. Elemento visual inseparable del dúo, como si fuera un tercer miembro, era la guitarra de Ramón, un modelo en la línea de la Gretch, con sus corcheas de solfeo hendidas en la caja, pero con un grosor de la misma superior al normal, más propio de la guitarra nacional, de esas que se fabricaban artesanalmente en la provincia de Valencia. Era una guitarra eléctrica mestiza de española. Un poco como su mensaje. En Espafia también se podía hacer música moderna de altura internacional. La imagen que reflejaban las figuras del dúo era la de dos chicos atractivos, que recordaban a los de un college americano, de aspecto deportivo y simpáticos a rabiar. Su indumentaria era copiada automáticamente por los fans y poco a poco, apoyados por la cobertura sociológica que aportaban los grupos rock menos populares, la forma de vestir de los jóvenes españoles se fue actualizando. El negocio de la moda juvenil empezó en España con ellos. El Dúo Dinámico, como adelantó en la introducción, era una versión simétrica de los Everly Brothers. Su repertorio inicialmente se inspiraba en clásicos del rock melódico, Bye, bye, love¯, "Carol, "Adán y Eva, pero pronto, como demostró su segundo puesto en Benidorm, en el 61, emprendieron el camino de las composiciones propias, alcanzando una gran maestría. Era un grupo español que sonaba a sí mismo, es decir a nadie anterior. Aunque desde 1959 grabaron discos y todavía en 1995 siguen en candelero, el período entre 1961 y 1966, que cerrarían con dos maravillas como "Amor amargo y ',Como ayer, es en mi opinión el más feliz de todos. Títulos como Quisiera ser, "Perdóname, "Eres tú, "Balada Gitana, 24 Horas o "Esos ojitos negros, aparte de ser espléndidas todavía hoy, fueron la primera banda sonora de los guateques, el albor de una nueva sentimentalidad, que diría un poeta granadino. Rodaron películas (Noches del paraíso, Escala en Tenerife, Guardiama risa soy, una con Marisol: Búsquenme a esa chica...), se fotografiaron en revistas femeninas, publicaron cancioneros, inspiraron tebeos..., toda la parafernalia de la mitomanía del pop, aunque ellos todavía eran unos precursores. Pues, como sustenta este libro, el verdadero pop comienza cuando aparece en España la influencia del pop británico, esto es, de los Beatles. Otro de los fenómenos musicales de entonces, en convivencia con los anteriores, lo constituyó la difusión de bailes importados. La música rock, sin llegar a ser "poesía en movimiento. Pero el pop español hasta 1964 fue absolutamente mimético del que nacía en diferentes países: USA, Francia, Italia, algo de Suramérica y un poco del Reino Unido. Si musicalmente era primitivo, en cuanto a su contenido literario no se salía de la filosofía sentimental al pie de las letras. En las canciones no había más protagonistas que dos enamorados, que se separaban, se juntaban, se querían, bailaban, reían y muy a menudo lloraban. No obstante, como en cine, el final feliz se imponía. Eran canciones típicas de noviazgo, prematrimoniales, que transformaban a las parejas en descendientes genealógicos de Romeo y Julieta. Unos amantes que tenían la suerte de oir su propia tragedia o felicidad en un pic-nic cuando los guateques o en una playa de verano abrisada de sal. Aquellas canciones eran el Shakespeare sonoro y a 45 r. p. m. de los amores de nuestras primas y hermanos mayores. Bueno, es hora ya de cambiar el disco. Señoras y señores:Llegan los Los Brincos, y con ellos el Beat.

 
 
Escríbeme

ARMONIO.El instrumento denominado Armonio (Harmonium) fue construido y patentado en París en 1840 por Alexandre Francois Debain. La construcción de este instrumento y otros similares fue producto de un largo proceso de experimentación que comenzó en el siglo XVIII cuando se conoció en Europa el principio musical de las lengüetas libres, de larga tradición en China y el sudeste asiático.
Se trata de un conjunto de lengüetas metálicas que se hacen vibrar mediante un mecanismo de teclado que permite el acceso del aire (acumulado por fuelles accionados por pedales) a cada una de las lengüetas. El instrumento se clasifica como un aerófono de lengüetas libres (conjunto) con cámara de aire y teclado: 412.132-6-8. El ejemplar de la colección es europeo (probablemente francés) de finales del siglo XIX o comienzos del presente con dos fuelles (y correspondientes pedales) y una extensión de cinco octavas: DO'-do"'.
Long: 73cms Altura: 65cms Prof: 21.5cms

Altura: 35cms Long: 44cms Ancho: 36cms

Armonio Mecánico
Se trata de otra variedad de los instrumentos construidos según el principio de las lengüetas libres. En este caso, es un instrumento mecánico en el que los sonidos vienen previamente dispuestos y se producen (haciendo sonar cada lengüeta) mediante un mecanismo. Este está constituído por una cinta de cartón perforada, accionada (al igual que los fuelles para almacenar el aire) por una manívela. A pesar de funcionar de la misma manera que el organillo, se diferencia de este por que son lengüetas vibrantes, y no tubos, las que producen el sonido.

En Los Estados Unidos se comercializaron con varios nombres. Una versión se llamó American Organ, otra Manopan y otra Celestina. El ejemplar de la colección fue fabricado por The Wilicox and White Organ Company de Medem, Connecticut. Consta de 20 lengüetas, una cinta perforada y tres fuelles internos. El mecanismo de movimiento de la cinta perforada (faltante) se hace -al igual que la acción de Los fuelles- girando la manivela. Siglo XX (comienzos).
Altura: 35cms Long: 44cms Ancho: 36cms

Bombardino
Bombardino de pistones fabricado en cobre-latón por Jerome Thibouville Lamy en Paris alrededor de 1910. Tres pistones, falta boquilla. Instrumento militar. Se clasifica como corno con válvulas: 423.232. Inscripción similar a las anteriores en el pabellón, además de monograma grabado: un león con estandarte y leyenda "Phebus".
Long: 59cms Diam pabellon: 26cms
Consola de órgano

Consola (teclado) y pedalero de órgano. Fabricados par Amézua en Barcelona en 1890. Mueble de madera, teclado, mecanismo interno. Pedales de madera.
Altura: 135cms Long: 117cms Prof: 52cms
Corneta
Corneta con tres válvulas fabricadas en cobre-latón. Falta boquilla, un pistón y las teclas de los tres pistones. Se clasifica como bugle (o corneta) con válvulas: 423.231. Instrumento militar.
Este tipo de instrumentos fue desarrollado especialmente en Francia y Alemania durante el siglo XIX, en donde se les llamó cornet d'harmonie o cornet a pistons Fabricado en Paris por Jerome Thibouville-Lamy alrededor de 1910. Inscripción: "Jerome Thiboulle-Lamy, fourn (isseur) du Conservatoire Nat (ion) al de Musique de Paris et de l'Armée ...68 Rue Reamur, Paris15. Posee otra inscripción grabad posteriormente: "Compañia de Samacá:'Serie: PO .
15 La casa ThiDouville-Lamy fare fundada en 1790 y alcanzó su mayor popularidad duran la última mitad del siglo XIX en Paris bajo la dirección de Jerome Louis Emile. Estos instr mentos fueron fabricados airededor de 1910. Ver: L. Langwill. An Indox of Musica/ Wi' Instrument Makers. Edinburgh: L. Langwill. 1980. p. 176.
Long: 33cms Diam: 12cms

Flauta con aeroducto
Flauta con aeroducto (recorder) en una sola pieza de madera. Es posible que se trate de una reproducción sin función musical, pues en el frente tiene el bisel y un sólo agujero (que es generalmente el agujero del pulgar en la parte posterior). En la otra cara tiene siete agujeros digitales. Pintura negra y decoración con esmalte brillante, hilos dorados, puntos rojos, blancos y verdes. Se clasifica como flauta longitudinal con aeroducto interno: 421 Z 1. 12. Siglo XX. Procedencia desconocida.
Long: 39.5cms Diam:2.6cms

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Flauta con aeroducto
Flauta de caña brava con aeroducto interno. Bloque interno de madera y bisel en la parte posterior. Siete perforaciones digitales (trabajadas con fuego)en la parte anterior. Fisuras entre los agujeros frontales. Flautas longitudinales con aeroducto interno: 421.221.12. Colombia. Siglo XX.
Long: 33.8cms Diam: 1.8cms

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Flauta de Pan
Flauta de pan de tubos cerrados de caña brava, ensamblados mediante trozos de caña, cuerdas y revestimiento de asfalto.
Se clasifica como conjunto de flautas con embocadura plana (Flautas de pan), cerradas: 4Z1.11Z.Z. Posee diez tubos agrupados en dos secciones de cinco cada una, en orden descendente de longitud. Santander, siglo XX.
Long. tubo máx. 15 cms Long. tubo min. 6 cms

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Flauta traversa
Flauta traversa de caña brava con agujero de embocadura y seis perforaciones digitales (todas al fuego). La parte cerrada coincide con un nudo de la caña. Se clasifica como flauta traversa:421.121. 32. Probablemente proviene delCauca o de Nariño. Siglo XX.
Long: 40cms Diam: 2.5cms

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Kammu-purrui
Flauta de pan de tubos cerrados: 421.112. 2. Está formado por dos grupos de tubos, uno de cuatro y otro de tres, ensamblados con cuerdas y unidos entre sí con otra cuerda más larga. Los tubos son de caña y están cerrados en el extremo inferior por nudos naturales. Decoración de dibujos de insectos y Las letras "F.C." y "Francisco C." escritas sobre Los tubos más largos de cada grupo con pintura vegetal. Darién colombiano, grupo étnico Cuna. Siglo XX.
Long tubo max: 51.5cms Long tubo min: 16cms
Pito

Flauta con aeroducto de caña. Bloque de madera interno en la parte superior para formar el canal. Bisel y seis agujeros (perforados al fuego) en la parte anterior, uno en la posterior. Flauta longitudinal con aeroducto interno. 421.221.12. Probablemente, proviene de la región de Vélez (Santander). Siglo XX.
Long: 26cms Diam: 2cms

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Cununo
Tambor cónico de una membrana y fondo cerrado con sistema de tensión de aro y cuñas de percusión manual. El cuerpo del tambor es extraído de un tronco entero de balso o "Guaguaripo". La membrana de piel de venado o vacuno (ternero), Iazos de fibra vegetal (o cable de uso eléctrico) y cuñas de mangle (9 en éste ejemplar). Se toca en parejas (uno ligeramente más alto que el otro), junto con "bombos", "guasás", voces y marimba en el conjunto de la música regional del sur del litoral pacífico colombiano. Siglo XX.
Long: 57cms Diam sup: 24.5cms Diam inf: 19cms

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Tambor

Aro de madera blanda forrado por una sola membrana de látex (caucho crudo) con dos caras (membranas vibrantes). El sistema de tensión (producido por la tensión en toda la membrana, sus dos caras y la porción que queda en contacto con el aro de madera) no se encuentra comprendido entre las posibilidades dadas por Sachs y Hornbostel. Se clasifica como un tambor de marco de dos membranas ya que su altura es inferior a su diámetro: Zil.212.1. Probablemente Embera-chami o Catío. Siglo XX.
Altura: 10.5cms Diam: 14.5cms

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Tambor cilíndrico

Tubo de madera con una membrana y abierto en la parte inferior. La membrana está sujeta mediante un sistema de aro tensionado por lazos con cuñas incrustadas en el cuerpo del tambor. Ei instrumento resulta difícil de identificar aunque probablemente se trate de un instrumento perteneciente a la tradición de fabricación del Estado Miranda, Venezuela. El sistema de cuñas (en forma de gancho) incrustadas y la longitud del tambor sugiere la posibilidad de que se trate de una reproducción de un tambor Mina, perteneciente a dicha región y tradición musical. Se le clasifica como un tambor cilíndrico de una membrana con fondo abierto y con sistema de tensión de cuñas incrustadas en la caja del instrumento: 211.211.1-86.

Long: 85cms Diam: 21cms

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Tú-tú
Tambor de dos membranas de origen europeo utilizado el grupo étnico que habita en varios sitios cercanos al río Amazonas. (Santa Sofía, Isla de Arara.-Leticia,etc.).
El nombre es onomatopéyico y se refiere al sonido del instrumento. Organológicamente se trata de un tambor de marco de dos membranas con sistema de tensión de aros y abrazaderas percutido con baquetas: 211. 212. 1-92. Parches decorados con pintura vegetal, dibujos animales e iniciales. Cuerda vibrante adicional sobre uno de los parches (redoblante).
Altura l0cms Diám. 17cms
Zambumbia-(Puerca)
Tambor de fricción con varilla fija: 231.11. Caja de calabaza recortada; membrana de vejiga animal y varilla de madera. Se conoce en Colombia con varios nombres: zambumbia, marrana, puerca y furruco. Dos orificios en decoración (ojos y boca) en forma de cabeza animal. Colombia (probablemente Santander).–Siglo-XX.
Altura: 20cms Diam:12cms Altura varilla:12cms

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Arpa
Arpa diatónica clasificada como arpa de marco: 322.221. Cuerpo de cedro construido con cinco costillas y tapas del mismo material (la inferior con orificio y rótulo de papel con la leyenda "José Ignacio Perdomo Escobar"). Mástil y tapa delantera de cedro con cuatro agujeros.
Clavijas individuales metálicas de hierro forjado, treinta cuerdas de nylon (no originales). Soporte de madera en forma de dos patas de león añadido recientemente (c. 1940). Colombia, posiblemente siglo XVIII.

Este instrumento fue muy utilizado en todo el territorio hispanoamericano durante los siglos XVII y XVIII como instrumento solista y armónico tanto en la música religiosa como en la profana. Posteriormente, durante el siglo XIX, se consolidó como el instrumento principal de varios géneros de música regional tradicional latinoamericana (Paraguay. Ilanos Colombo-Venezolanos. regiones de Veracruz y Michoacán en México y varios centros en los Andes peruanos y ecuatorianos).
Long. mástil: 114cms Long. caja: 93cms Ancho caja: 38cms prof. caja: 22cms

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Autoharp
Cítara de caja de pulsación: 314.122-5. Caja de madera con tapa de pino abeto y veintitrés metálicas (de alambre y entorchados) extendidas sobre dos puentes. Rótulo metálico con inscripción: "Autoharp manufactured by C.F. Zimmermann Co. Dolgeville, NY, USA". Tapas laterales de la caja y puentes pintados con pintura negra. Tapa lacada en color caoba. Afinación diatónica. c. 1910. El instrumento se inventó en Alemania con el nombre de Akkord-Zither y posee un sistema de palancas que silencian algunas cuerdas dejando libres pare vibrar solamente las necesarias para determinados acordes. El ejemplar de la colección no posee dicho mecanismo.
long: 45cms ancho: 23.5cms altura: 3cms Long.vib.max:39.5cms Long.vib.min: 16.5cms

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Bandola
Caja, mango y tapa de cedro. Clavijero mecánico y seis órdenes de cuerdas, tres de alambre (dos triples, uno doble) y tres (dobles) entorchados metálicos. Instrumento solista de la música del interior del país (acompañado de tiple y guitarra). Laúd de mango con caja, de pulsación con plectro: 321.322-6. Colombia.-Siglo-XX.
Long: 68cms Long. vib. cuerdas:34cms
Bandolín
Caja de resonancia constituída por un caparazón de armadillo (Didelphis novencinctus) seco con mango de nogal y tapa de pino. Cuatro órdenes de cuerdas dobles de alambre y clavijas de madera. Fabricado (rótulo inferno): "por Ramón Carreño. San Juan del Guacamayo". Laúd de mango con caja de resonancia cóncava, de pulsación con plectro: 321.321 -6. Este tipo de instrumento se utiliza todavía en la música de la región llanera colombiana (especialmente en los llanos del Casanare). Comienzos del siglo XX.
Long: 59cms Ancho: 21cms Altura: 8.5cms Long. vib. cuerdas: 35cms

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Cítara
Cítara de caja de pulsación: 314.122-S. Caja hexagonal de nogal con tapas laterales pintadas de negro y tapa principal decorada con calcomanias de flores y cinco perforaciones (dos círculos y dos a manera de eses de violín). Dieciocho cuerdas metalicas afinadas diatónicamente extendidas sobre un puente de madera. Tiracuerdas y clavijas individuales metálicos. Colombia. Siglo XIX.
Long: 43cms Ancho Max: 21cms Altura. 6cms Long. vib. max: 34.5cms Long. vib. min:20.5cms

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Clavicordio
Caja de cedro, tapa armónica de la misma madera (más delgada). Cuerdas de alambre (dos por tecla). Tapa plegable. Tres puentes de madera y tiracuerdas y clavijas de hierro forjado. En la tapa frontal sobre el clavijero lleva inscripciones en tinta negra: Do, Re... haste Do. En la parte interior de dicha tapa, también en tinta negra Las iniciales: "P. d.dr. V.L."9. Cuatro octavas: Do'-do". Soporte no original. Cítara de caja con mecanismo de teclado: 314.122-8. Colombia (probablemente Boyacá). Siglo XVIII fines o comienzos XIX.
9 La lectura de estas letras es tentativa. Otra alternativa puede ser: 'P. d.dn. V. L.", lo que tal vez se refiera a Las iniciales de su propietario.

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Contrabajo
Caja romboide (heptagonal) de madera compactada común (triplex). Sin tapa posterior. Tres cuerdas sin puente. Mango y tiracuerdas de cedro pintado de negro. Laúd de mango con caja, de pulsación manual (o de fricción con arco): 321.322-5(-71). Colombia. Siglo XX.
Long: 165cms

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Cuatro
Cedro. Aros y tapa posterior pintados de negro. Laúd de mango con caja, de pulsación manual: 321.322-5. Clavijas de madera, cuerdas de nylon. Instrumento utilizado en la música de la región llanera colombo-venezolana. Cuatro cuerdas sencillas. Llanos orientales. Colombia.
Long: 73cms Ancho: 20cms Altura: 10cms Long. vib. Cuerdas: 51.5cms

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Guitarra
Pertenece organoló- gicamente a los laúdes de mango con caja, de pulsación manual: 321 .322-5. Caja de arce con tapa de abeto e incrustaciones de concha nácar en el clavijero, bordes y boca de la caja. Clavijero mecánico y diecisiete trastes.
Fabricada por (rótulo inferno): "Lacote, Luthier a Paris, Année 182?] Rue de Louvois No. 10". Lacote fue un célebre fabricante de instrumentos, activo en Paris en la segunda y tercera décadas del siglo pasado. Varios museos de instrumentos de Europa y Estados Unidos poseen ejemplares de sus guitarras, caracterizadas por el estilo de su decoración7. Caja adicional de madera forrada en paño verde. Donación: Carlos Sanz de Santamaria.
7 Según René Vannes, Dictionnaire Universel des Luthiers, Bruxelles: Les Amis de la Musique, 1981, René Lacote trabajó en dicha dirección después de 1845, el rótulo sin embargo tiene la fecha 182? en la que el año exacto de fabricación debía ponerse a mano. Otra posibilidad es que, al igual que ocurre con el violoncello copia de Stradivari de esta colección se trate de una imitación (muy buena en este caso) en la que deliberadamente se comete un error cronológico pare evitar que se tome por auténtica.
Long: 93cms Ancho: 29cms Alto caja: 8cms Long. vib. cuerdas: 63.5cms

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Hu-Ch'in
Caja de resonancia de una sección de tubo de bambú con tapa de piel de ofidio. Mango y clavijas de madera común y dos cuerdas de metal. Arco de bambú. El mango atraviesa totalmente el resonador y sobresale un poco de este, formando un apoyo. Laúd de espiga con caja de resonancia tubular, de fricción con arco: 321.313-71. Sudeste Asiático (Camboya o Tailandia). Siglo XX. Allí se conoce con otros nombres aunque su prototipo y nombre original son chinos.

Long: 67.5cms Diam. tubo: 7.5cms Long. caja: 10.5cms Long. arco: 46.5cms

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Mandolina
Caja de resonancia formada por costillas, tapa de abeto, incrustaciones y adornos de concha nácar. Clavijero metálico y cuatro órdenes (dobles) de cuerdas metálicas. Laúd de mango con resonador cóncavo, de pulsación con plectro: 321.321-ó. Probablemente Nápoles, siglo XX. Estuche adicional.
Long: 63cms Ancho: 20cms Altura: 10cms Long. vib. cuerdas: 33.5cms

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Piano-costurero
Caja de caoba con incrustaciones de otras maderas. Tapa armónica de pino abeto y una contratapa de quince cajones de pino y espejo en la contratapa superior. Cuerdas metálicas (una por nota) sin mecanismo de apagadores. Cuatro octavas: FA'-fa'. Cítara de caja con mecanismo de teclado: 314.1 22-8. Soporte a manera de pie con ruedas. Francia. Siglo XIX (finales).
Long: 79cms Prof: 47cms Altura caja: 19.5cms Altura soporte: 52cms

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Piano a manubrio

Caja de pino y arce en forma de piano vertical con mecanismo interno de martillos accionados par un rodillo a su vez accionado por una manivela externa. Cuerdas metálicas (dobles) accionadas por treinta martillos. Dos martillos adicionales que golpean trozos de madera en imitación de castañuelas y otros tres que golpean láminas de metal a manera de campanas. Cítara de caja mecánica con mecanismo de manubrio y rodillo: 314.122-9.
Fabricado por (rótulos externos). "Antonio Martin, Pianos a manubrio, Dos Hermanos 10. Tel. 278739, Madrid. Número de serie: No. 1230". Y tambiéo aparece la lista de Las piezas incluidas, en el roclilin con un rótulo externo'z. c.1920.
Long.-55-cms
Prof. 34 cms

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Rabel
Caja, mango y aros de cedro. Mango enterizo y tiracuerdas de cuerno (atornillado). Cuatro cuerdas. Arco corto con clavija para templar. Laúd de mango con caja, de fricción con arco. Colombia. Finales del siglo XIX.
Long: 62cms Long. arco: 47.5cms

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Tiple (cítara en forma de balsa)

Constituida por siete tubos de caña brava de los cuales se extrajeron dos o tres secciones a manera de cuerdas. Ias cuales se colocan sobre dos puentes de trozos del mismo material. Se toca con un plectro (varita de caña)
Se clasifica como cítara en forma de balsa (por ser esta la disposición de los los tubos): 313.1-6. Instrumento de uso infantil. Oiba (Santander). c.1960. Este instrumento es común en África y Asia pero muy raro en América y Europa. Es imposible saber si se trata de un instrumento tradicionalmente usado y fabricado en esa zona o si es un caso aislado.
Long. tubo max: 24cms Long. tubo min: 22cms Long. vib. cuerdas: 10.5cms

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Violín
Cedro y otras maderas colombianas. Tapas de cedro con incrustaciones en nogal. Aros pintados e incrustaciones de concha nácar en las clavijas y tiracuerdas. Puente bajo. Fabricado por (rótulo inferno): "Segundo S. Garcia, constructor de guitarras. bandolas. tiples y violines" . Laúd de mango con caja de fricción con arco: 321.322-71. Arco. Colombia (Socha, Boyacá [7]). Siglo XX.
Long: 62.5cms Long. arco: 75cms

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Violonchello

Caja, mango y aros de cedro. Cuatro cuerdas (no originales), puente y ceja de contrabajo. Sin punta de extensión, lo que sugiere que se apoyaba directamente en el suelo. Laúd de mango con caja, de fricción con arco: 321.322-71 Rótulo de papel en la parte posterior: "Violonchelo de 1840 trabajado par Fernando Figueroa D." (letra de José I. Perdomo. E.) Colombia. Finales siglo XIX.
Long: 148cms

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Violonchello de calabazo

Resonador (semiesférico) de calabazo (Cresentia cujete). Mango, clavijas y puente de madera. Tres cuerdas y tres clavijas individuales y tiracuerdas de cuerno. Punta de extensión (espiga) de madera. Soporte de madera adicional para exhibición. Fabricado por el "Ingeniero Carlos Mercado Acevedo, Fusagasugá. Diciembre 1911".
Long: 101cms Long espiga: 26cms

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Angkuoc.
(Idiófono de pulsación)

Este instrumento consta generalmente de un marco y una lengüeta que se hace vibrar por pulsación y que utiliza la cavidad bucal como caja de resonancia.

En inglés se le conoce como Jaw's Harp Arpa de mandíbula) y en francés como Guimbarde. En español no existe un nombre específico pero, por ejemplo los instrumentos metálicos de las mismas caracteristicas utilizadas en Colombia (Guajira) se denominan Trompas.

Este ejemplar proviene del sudeste asiático, tal vez Tailandia o Camboya (Angkhor-Vhat, en donde se denomina Angkuoc). Se trata de un trozo de bambú, del cual se extrae una lámina o lengüeta que se pulsa mientras se coloca en la boca del ejecutante para producir el sonido. Idiófono de pulsación: 121. 221.
Long: 33.7 cms Ancho: 1.2cms Long. vib. leng: 11.5cms

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Guasá
Sección de tubo de bambú (guadua) cerrado a los lados por rejillas de trozos de madera en el interior del cual se colocan semillas vegetales secas las cuales al moverse el recipiente producen el sonido al chocar entre sí y con las paredes del tubo.
Se clasifican como sonajas de recipiente (tubo), idiófonos de golpe indirecto: 112. 13 [ 11].
De fabricación colombiana (costa pacifica) tiene marcas en lápiz "B" y "17". Agarradera de pita en el extremo.
Long: 29.5cms Diam: 5cms

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Guacharaca
Tubo de caña con una sección dentada en la parte frontal y otra hueca en la posterior. Para producir el sonido se raspa la parte dentada con un tenedor metálico. De uso común en varias regiones del país. especialmente la costa atlántica. Idiófonos raspado, tubo: 112. 22
Long: 41cms diam: 2.5cms

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Güiro
Idiófono raspado, recipiente: 112. 23. Calabazo (generalmente Cresentia cujete). Este instrumento es común en el caribe, especialmente en las orquestas de música de baile. En Colombia aparece también en algunas regiones del interior del pais. Venezuela. Siglo XX.

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Idiófono raspado

Mitad de cáscara de fruta (guama) seca probablemente utilizado como idiófono raspado. Se conoce también utilizada (entera y con sus semillas) como un sonajero generalmente percutido. Según su primer uso se clasifica como una placa raspada: 112.211. Cundinamarca o Tolima. Siglo XX.
Long: 41.5cms Diam: 5cms

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Marimba
Xilófono con resonadores que consta de veintitrés láminas de madera de chonta y veintitrés secciones de tubo de bambú (guadua) como resonadores. Las láminas se hallan montadas sobre un armazón de madera forrado con fibra vegetal y los resonadores sobre una varilla de hierro.
La percusión de las láminas se realiza mediante baquetas con puntas recubiertas de látex. El instrumento es interpretado por dos personas y generalmente se cuelga del techo. En otras ocasiones se coloca sobre un soporte adicional. Idiófono de percusión, xilófono con resonadores: 111. 222. 22. Este ejemplar fue fabricado en Buenaventura por Teóflo Potes alrededor de 1960. Tres baquetas.
Long. total: 180cms Long. max. lámina: 64cms Long. min. lámina: 28cms

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Matraca
Caja de madera (arce) con cinco láminas flexibles de madera (no afinadas), piñón y manivela. Ejemplar europeo (probablemente español, siglo XX) utilizado durante Carnaval y Semana Santa. Idjófono de piñón: 112. 24. Siglo XX. Long: 18cms Altura max: 8.5cms Altura min: 5.2cms ancho: 16.5cms Long láminas: 10cms

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Metalófono de teclado (celesta)

Idiófono de percusión. Metalófono con mecanismo de teclado. Su clasificación según S-H es 111.222-8.
El instrumento está compuesto por una caja de madera con un teclado cromático de dos octavas: do-do". A cada sonido corresponde una lámina de acero (veinticinco en total) percutida a través del mecanismo de teclado.
Posee también una palanca para modificación de sonido (sordina) de acción manual situada sobre la parte superior izquierda del teclado. Tapas plegables, atril y manijas laterales.
Fabricada en Langensalza (Turingia), hoy República Democrática Alemana por Eduard Sell tal vez a mediados del siglo XIX. Poseía una inscripción en lápiz (dificilmente legible y borrada en la restauración) que decía: "Instrumentenbauanstalt. Eduard Sell. Made in Germany. Langensalsa in Thüringen .
El nombre Celesta (o Celeste) no se le puede aplicar estrictamente a este ejemplar ya que dicho nombre identifica el instrumento inventado y patentado en 1886 por Auguste y Alphonse Mustel en Paris. El presente ejemplar es un instrumento de menos extensión sonora y no muy frecuente en colecciones de instrumentos musicales.
Long: 45cms Altura: 29cms Profundidad: 45cms

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Quiribillo
El instrumento está constituido por quince tubos de caña (caña brava) a través de los cuales se hacen pasar quince cuerdas cuyos extremos se amarran. El sonido se produce cuando se tensionan (halan) los dos extremos de las cuerdas haciendo que los tubos choquen entre sí. Se trata de un conjunto de tubos de entrechoque. Long tubo: 10cms.

Diam tubo: 1.2cms

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Sonaja

Tubo de cuarzo, percutido con dos brazos articulados del mismo material, todo montado sobre una cuerda de cuero . Las articulaciones de los percutores son de alambre. El instrumento suena al moverse sostenido de la cuerda. De origen incierto se puede clasificar como sonaja suspendida. tubo con percutores articulados: 112.111. Colombia. Siglo XX
long. tubo: 4.2cms Diam. tubo: 2cms Long. brazos: 5.6cms